随着艺术创新和公众需求的循环变化，在洛可可和新古典主义、浪漫主义和现实主义之后，在印象主义和前表现主义的极端之间摆动的形式陆续出现，艺术家和艺术运动彼此影响，甚至艺术家之间也相互影响，促进了20世纪绘画艺术向更深更广的方向前进。这些充满个性的艺术品从一定程度上，给了首饰设计教学很大启发，研究这一时期的艺术家以及他们创作的作品，可以帮助学生打开创新思维，使个体学生形成个性化的首饰设计风格。
1 20世纪绘画艺术的发展与特点
20世纪的绘画艺术，呈现出个性多元的趋势。比较有名的当属立体派。在画家勃拉克和毕加索之间，两位艺术家相互挑战影响，创造了立体主义绘画、出版物和拼贴。这一时期，艺术家常在艺术家团体中创作，不断调整观念技术。此时的未来主义者们尝试捕捉速度与光。而达达主义者则嘲讽否定艺术自身。以达利为中心的超现实主义艺术家则在探索内心世界里的象征性梦境，而地方主义的艺术家则赞扬外界世界的魅力与地方遗产。这些都构成了20世纪绘画艺术的特点。深入分析20世纪绘画艺术大师的作品，可以为首饰设计教学提供丰富的创作素材。
20世纪50年代后，现代主义对传统发起攻击，使各种激进艺术运动层出不穷。先后有：抽象表现主义、波普艺术、欧普艺术和极少主义、行为艺术、大地艺术、女性主义、后现代主义、新表现主义、装置艺术等。其中，抽象表现主义者取消了再现叙事，极少主义者消解了个人情感与社会意义，观念艺术家直接消灭了艺术对象，行为艺术家拒绝永恒之物，女性主义者则攻击男性主宰的传统。
1970年后，没有什么规则用来打破了，前卫艺术也从社会淡出，后现代主义不再关注形式创新，将目光投向作品之外的宏观世界，研究与观众互动的可能性。研究20世纪绘画艺术的创作方法对首饰设计有很大启发，绘画艺术中的概念设计的视觉表达技巧能够直接或间接的运用到首饰创意中。要研究其创作技巧，首先要使学生理解两者之间的关系。
2 绘画艺术与首饰艺术之关联
绘画艺术是一种纯艺术的创作形式，相反，首饰设计则属于设计艺术，教学中研究两者创作方法的不同，首先要研究艺术与设计的区别。艺术与设计的基础相同。两者都具备线条、空间、形状、结构、色彩与纹理。都通过统一与多样、平衡、节奏、强调、比例与尺度等原则来表现。艺术家与设计师的观点区别映射出艺术与设计的区别。首饰设计师工作时头脑中一般会有个具体目标，比如为了满足某种需要。绘画艺术家则主要关注某种个人经验、反应与心情所导致的主观情感，这使其对于他的作品是否被人接受并不在意。
从形式的角度上看，绘画艺术在二维的长宽范围内通过构图透视，光影明暗虚实等技巧来表现画面的纵深感，表现画家内心的情感。首饰艺术则在长宽高的三维空间中，利用点线面体的构造，结合材料的形态美，表达首饰艺术家的情感并满足消费者的需求。从创作的源头看，两者都是艺术家或设计师内在情感的外在表达媒介，从视觉表达的造型形式看，前者在二维空间中，后者则是在三维甚至四维的时空中。两者之间的互相借鉴，互通有无有助于在教学中打开学生的创新思维，帮助学生积累创作经验。
3 绘画艺术创作对首饰设计方法教学的启发
3.1 场景式再现
绘画艺术中最常用的设计方法就是场景式再现。无论是毕加索的《格尔尼卡》，还是修拉的《大碗岛的星期天的下午》，亦或是《月光下的黑人们》都无形中使用了场景再现的创作手法。比如毕加索的《格尔尼卡》，作品描述了西班牙内战时期，听命于法西斯领袖弗朗哥将军的一支德国空军袭击了巴斯克人的城市—格尔尼卡。这是第一次外国针对本地平民的大规模轰炸，1600多人遇难。当时定居巴黎的毕加索用作品《格尔尼卡》表达了对这场屠杀的愤慨。艺术家用支离破碎的图形表达了人们在战争中所遭受的痛苦不幸。而《月光下的黑人们》作品中，艺术家则以丑陋悲惨的生活符号来比喻在这种恶劣条件下坚强生存着的强壮又备受崇敬的人们。通过对比，美丽的灵魂在阴暗的背景中放出夺目的光芒，蕴藏着希望与勇气。
教学中在绘画艺术作品分析的基础上，可以让学生感悟到首饰设计中场景式再现手法的运用技巧。首饰艺术创作中也不乏使用元素的提取，打散解构重组的方法再现场景，表达设计者内心情感的首饰作品。比如：国际金属展上的作品《小谢窗台忆江南》，设计者用带有江南风景的碎瓷片与具有江南味道的窗格结合，再现了心中的江南小景，蕴含着设计者浓郁的回忆之情。
3.2 故事性描述呈现
用画面设计描述一个故事在20世纪绘画艺术中很常见。艺术家借助绘画语言组织画面表现一个故事，比如罗塞蒂，他推崇英国的传统道德题材，借用中世纪象征主义绘画。他在作品《炼狱篇》中，描绘了但丁《炼狱篇》的故事，画面中的人物拉匹亚被诬陷行为不忠，其丈夫把她锁在一个城堡里，慢慢死去，她身边的念珠和祷文象征暗示她的虔诚，日暮和涂鸦则代表时间流逝和未来的死亡，拉皮亚将她的丈夫的信压在祷文下面，说明她还爱着她的丈夫。
像讲故事一样的设计一件作品在首饰教学中常常引发学生思考，首饰作为身体佩戴物，同时承担了观赏者、佩戴者以及设计者之间的媒介作用。其背后故事是值得设计师深入挖掘的主题，通过一定的视觉形式呈现作品概念，可以启发学生创作作品时倾听自己内心深处的声音，体现作品独创性。
3.3 现成物被赋予新内涵
达达主义代表人物杜桑的作品《泉》，拉开了概念设计序幕。这件当时令杜尚声名狼藉的作品，参展被拒绝，管理者宣称这不是一件艺术品，很下流。而杜尚写到：“美国所提供的唯一艺术品就是她的铅工业制品和桥梁。穆特先生是不是亲手制作了《泉》不重要，他选择了它，所以它的功能在新题目和视角下消失了—产生了一种对于这物品的新观念”。这就是概念设计，其对随后的20世纪艺术家产生了深远影响。这种在设计中将现成物为己所用，使其被赋予新内涵的设计手段在教学中深深的启发着学生。引导学生关注身边的自然或人造物品，收集可以激发自己设计灵感的现成物进行创作。
20世纪的绘画艺术风格流派繁多，深入研究20世纪的绘画艺术，有利于在教学中拓展学生的创意思维。提高学生作品的文化性与独创性。
参考文献：
[1] 玛丽琳·斯托克斯塔德，迈克尔·柯思伦著，王春辰.杨冰莹.朱澄.苏典娜译.艺术简史.[M]上海：上海人民美术出版社，2016.6.1.
作者简介：
张晓燕：女，1977.10，上海工程技术大学 纺织服装学院 副教授 硕士生导师
毕业于 北京服装学院 研究方向：首饰设计
